Le vesti, anche se erano utili per comprendere il ruolo dei personaggi, erano anche ingombranti, pesanti e limitavano i movimenti.

I balli di corte erano interpretati, da aristocratici nelle sale e nei giardini dei loro palazzi.

E’ proprio nel Rinascimento che nasce la figura del maestro.

Uno dei maestri più famosi dell’epoca fu Guglielmo d’Ebreo da Pesaro, che a metà del Quattrocento nel suo trattato codificava le sei qualità del danzatore:

¯     misura (abilità di misurare il tempo),

¯     maniera (coordinamento dei movimenti),

¯     memoria (capacità di ricordare i passi imparati)

¯     “partire” dal terreno (saper misurare le distanze e lo spazio),

¯     “aire” ( il modo di presentarsi sulla scena),

¯     movimento corporeo (modo perfetto di danzare).

La prima scuola di ballo fu fondata a Milano nel 1545.

Nel momento in cui Luigi XIV salì al trono di Francia il balletto fu molto valorizzato. Sapevate che fu soprannominato “Re Sole” proprio perché partecipava agli spettacoli utilizzando le figure del Sole?

Il sovrano fondò, nel 1661, L’Académie Royale de la Danse e nel 1672, la Scuola nazionale di Danza. Fu il primo direttore dell’Académie, Charles Louis Beauchamps, a codificare le cinque posizioni dei piedi e l’uso dell’ en dehors che è la base della danza classica.

Fu un momento importante perché nacque la distinzione tra danzatori professionisti e amatoriali.

Con i primi ballerini professionisti, la danza si spostò dalle corti ai teatri pubblici.

Nel 1681 andò in scena “Il Trionfo dell’Amore”, il primo balletto a cui parteciparono ballerine professioniste, dovete sapere che, fino ad allora, i ruoli femminili erano sempre interpretati da uomini. E’ una data storica per il balletto perché ciò implica una gran trasformazione nell’esecuzione dei passi.

Le rappresentazione pubbliche erano sempre più frequenti, anche i nobili iniziarono ad andare a teatro come semplici spettatori.  

Nel 1700 si sentì il bisogno di abbinare alla coreografia una storia che gli spettatori potessero seguire.

In quel tempo il maestro di danza Raoul Auger Feuillet pubblicò due saggi, Choréographie (Coreografia) e l’Art de décrire la Danse (L’Arte di descrivere la Danza), in cui spiegava le cinque le posizioni di base e molti passi, tra i quali il pliè, il glissé, la cabriole, propendo un sistema per scrivere le coreografie.

Nel 1760 Jean Georges Noverare pubblicò il trattato “Lettere sulla danza”, nel quale rilevò il forte legame fra danza, musica e scenografia; criticò l’uso dei costumi scomodi e delle calzature con tacco alto talvolta a spillo.

Nel 1800 il Romanticismo cerca di recuperare le emozioni, di dar loro più importanza.

Avviene una gran diffusione della danza, questo soprattutto in Russia, dove le ballerine erano adorate come fossero dee.

Una figura di grande importanza fu il ballerino, insegnante di danza e coreografo Carlo Blasis. Nel suo Trattato sull’arte della danza, infatti, diede le fondamenta ad un vero e proprio “metodo” della danza (a lui dobbiamo, tra l’altro, l’invenzione della posa dell’attitude ispirata all’atteggiamento della statua di Mercurio dello scultore Giambologna).

Anche il trattato di Blasis parlava dell’importanza dell’unione delle arti nella danza.

Nell’Ottocento il balletto assorbe l’atmosfera romantica del periodo: le storie danzate narrano di amori infelici e malinconici.

La ballerina indossa un tutù bianco e calza scarpette con punte rinforzate: anche lei è una creatura romantica e soprannaturale. 

Il primo balletto romantico, la Sylphide, rappresentato per la prima volta all’Opéra di Parigi, il 12 marzo 1832 fu interpretato da Anna Maria Taglioni che peraltro fu la prima ballerina che eseguì un balletto completamente sulle punte e si racconta che fu lei stessa a completare il perfezionamento delle scarpette da punta. Un altro importante balletto fu Giselle interpretato all’Opéra di Parigi il 28 giugno del 1841.

Tra le stelle della danza del periodo ricordiamo Carlotta Grisi, Fanny Cerrito, Fanny Elsser e Lucile Grahn.

Verso la fine dell’Ottocento il balletto si sviluppa nelle forme del cosiddetto balletto classico, termine molto usato ma che in realtà indica soltanto un gruppo ristretto di balletti prodotti in Russia, ossia Il Lago dei Cigni, Lo Schiaccianoci, La Bayadère e la Bella Addormentata.                                                                                                                            

Lo straordinario coreografo che passa alla storia per essere l’inventore di tutti questi balletti fu Marius Ivanovich Petipa.

A questo punto la tecnica della danza si è molto evoluta, permettendo alle ballerine di danzare sulle punte con sempre più grazia e leggerezza.

Nel frattempo il tutù si è accorciato ed è diventato sempre più comodo.

Alla fine dell’Ottocento ci fu un lento declino, dovuto alla mancanza di grandi ballerine e al disinteressi dei musicisti seri. Il secolo terminò con l’irruenza di Isadora Duncan la quale pose le basi della danza moderna dando a quest’arte un nuovo slancio.

Ai primi del Novecento mentre all’Opéra di Parigi il balletto sembra scomparso, a Est la nuova metà degli artisti della danza è la città di San Pietroburgo.

E’ anche grazie a un grande impresario scopritore di talenti della storia, Sergej Diaghiliev, che la danza risorge.

Il suo gusto artistico, unito all’amore per la danza, gli consente di riunire e dirigere artisti di grande talento: coreografi, maestri, musicisti, ballerini, compositori, pittori, scenografi lavorano così fianco a fianco e realizzano grandi spettacoli teatrali.

Diaghilev riuscì a far conoscere in tutta Europa e in America i suoi Ballets Russes e il suo nuovo modo di fare spettacolo.

Tra questi artisti dobbiamo riconoscere il genio di Mikhail Fokine, il quale rinnovò la struttura del balletto classico. Fokine sosteneva che il balletto classico fosse diventato tecnico e che l’interpretazione e la musica dovessero avere un ruolo più importante nella coreografia.

Inoltre rivalutò il ruolo dei ballerini che era stato a lungo trascurato.

Fra i suoi capolavori ricordiamo Petrouschka e le Spectre della rose.

Negli anni seguenti e durante tutto il ventesimo secolo, la danza moderna si è molto sviluppata e sono nate tantissime correnti.

La danza cosiddetta moderna propone nuovi movimenti come per esempio accade nella tecnica di Martha Graham basata sui principi delle contrazioni addominali.

La danza moderna, non si basa più sull’osservazione rigida delle tecniche della danza classica.

Ed è proprio per questo che i coreografi di oggi sono sempre più liberi di prendere spunti da diversi generi e stili e di creare, così, movimenti sempre nuovi.